PURÉ, 2 AM

 

Nada hay más fuerte que el hábito. Hubo una época en la que cocinaba. En ese tiempo cortaba cebollas, pelaba papas, revolvía ollas. Había algo doméstico, casi sagrado, en preparar la comida para alguien. ¿Acaso alcanzar un plato caliente puede ser una manera de decir "acá estamos, esto somos, esto puede durar"?

En pandemia comencé a pedir comida hecha, guarecí ante las aplicaciones, los envíos, esa pequeña comodidad de no tener que pensar demasiado qué hacer con una cebolla, un tomate o una pechuga de pollo. La cocina fue quedando atrás. Una costumbre que uno no sabe en qué momento deja de practicar.

Pero algo aprendí.

Aprendí a hacer puré.

Bueno, decir que aprendí a hacer puré es una manera bastante generosa de describir lo que hago. Soy, más bien, un pure chef. Un especialista en puré instantáneo. Un hombre que ha encontrado su vocación en un sobre de nylon.

El procedimiento es sencillo; agua hirviendo, un poquito de leche, el polvo y unos movimientos de cuchara. No hay que pelar nada, no hay que cortar nada, no hay que esperar que una papa se ablande. La papa ya viene resuelta. La vida, por un instante, también.

Y resulta que es la comida favorita de July.

July viene a casa y me pide puré. A cualquier hora. Pueden ser las dos de la mañana y aparecer con esa naturalidad con la que los chicos piden las cosas importantes:

—Papi, ¿me hacés puré?

Y yo le hago puré.

No corto la papa. No la pelo. No la hiervo. Ni siquiera tengo que comprobar si está tierna pinchándola con un tenedor. Todo sucede en unos minutos, en una pequeña ceremonia de agua caliente y polvareda.

Él sabe que el puré está fabricado. Sabe que no hay una papa detrás de ese puré, al menos no una papa que yo haya conocido personalmente. Sabe que no hay misterio.

Y, sin embargo, le encanta.

A veces pienso que ahí hay algo hermoso. Porque él sabe. No es que lo engañe. No es que crea que su papá tiene una receta secreta heredada de alguna abuela italiana. Sabe lo que hago. Sabe que soy un hombre que no corta la papa y, aun así, me pide que le cocine su comida favorita.

No hay secretos con él.

Yo no estaba mucho en la cocina cuando era chico. Posiblemente por eso me conmueve tanto esta escena. Porque uno pasa buena parte de la vida intentando parecer más capaz, más interesante, más ilustrado. Uno aprende recetas, inventa versiones de sí mismo, muestra sus mejores platos. Quiere que los demás crean que detrás de cada cosa hay un trabajo artesanal, una elaboración, una vocación.

Pero a veces no hay nada de eso. Hay un sobre, agua caliente y un poco de leche.

Y hay alguien esperando del otro lado de la mesa.

Con el tiempo empecé a pensar que me gusta conocer gente que sepa que uno no corta la papa y, sin embargo, nos quiera igual. Gente ante la que no tengamos que fingir que sabemos hacer todo. Que no nos exija una versión gourmet de nosotros mismos. Que pueda sentarse a la mesa sabiendo de qué estamos hechos, incluso cuando estamos hechos de serrín instantáneo.

Tal vez de eso se trate también el amor. No de encontrar a alguien para cocinarle todos los días, ni de sostener para siempre la ilusión de que uno puede ser feliz con otra persona. A lo mejor se trate de encontrar a alguien que conozca nuestras pequeñas trampas, nuestras recetas incompletas, nuestras limitaciones, y que aun así, a las dos de la mañana, nos pregunte si podemos hacerle un puré.

Porque hay personas que no necesitan que uno pele la papa para sentirse cuidadas.

Y quién sabe uno tampoco necesita aprender a cocinar para volver a sentirse querido.

A veces alcanza con poner el agua a hervir.

Y estar.

JAM LITERARIO

 

📚 JAM LITERARIO EN LA FERIA DEL LIBRO: ¿DE QUÉ SE TRATA?

La literatura también puede ser un espacio de encuentro, intercambio y creatividad. En el marco de la Feria del Libro, charlamos con el periodista Raly Haurat para conocer qué es un jam literario, cómo funciona esta propuesta y de qué manera invita a vivir la lectura y la escritura desde una experiencia colectiva.

🎤 ¿Cómo se desarrolla un jam literario y qué lo hace diferente? Lo descubrimos en esta charla.

LA OTRA FAMILIA

Queridos Peabody y Sherman, Goofy y Max, Gepetto y Pinocho, Sulley y Boo, Woody y Andy, Marlin y Nemo, Carl y Russell, Mufasa y Simba... y tantos otros que ocuparon el sillón de mi casa sin pedir permiso.

Les escribo porque mi hijo Julián cumple dieciocho años.

¡Dieciocho!

Qué número extraño. Uno pasa años enseñándole a un hijo a caminar, a cruzar una calle, a distinguir una mentira de una verdad, a atarse los cordones, a no perder la ternura... y un día descubre que ya es un hombre. Entonces comprende que también los personajes de la infancia envejecen, aunque conserven la misma cara en la pantalla.

No recuerdo haber elegido esas películas por alguna teoría sobre la paternidad. No buscaba mensajes ocultos ni hacía listas de recomendaciones. Aparecían. Una tarde era Pinocho. Otra, Peabody y Sherman. Después, Goofy en su esfuerzo por entender a Max. Más tarde llegaban Monsters, Inc., Toy Story, Buscando a Nemo. Eran apenas películas para compartir una tarde o eso creía.

Con el paso de los años entendí que todas narraban la misma historia: La de un adulto que aprende a querer sin manual, la de un hijo que busca su propia voz, la de dos generaciones que se equivocan hasta descubrir que el amor nunca trae instrucciones.

Julián adoraba a Pinocho. Tal vez porque todos los chicos entienden, antes que nosotros, que crecer consiste en dejar de ser de madera para convertirse en alguien de verdad.

También adoraba a Goofy, el famoso Tribilin. Siempre me llamó la atención. Entre tantos héroes impecables, él elegía al más torpe de todos. Al padre que nunca hacía todo bien, que llegaba tarde, que metía la gamba, pero que jamás dejaba de estar.

Con los años entendí que Goofy era mucho más valiente que cualquier superhéroe. Hace falta un enorme coraje para ser un buen padre cuando uno sabe que no tiene todas las respuestas.

¿Y qué decir de Peabody?

Un perro que adopta a un hijo humano y le enseña que el conocimiento sirve para viajar por la historia, pero el amor es el acceso directo para volver a casa. No era una película sobre viajes en el tiempo. Era una historia sobre el tiempo compartido.

Hoy miro hacia atrás y pienso que ustedes hicieron mucho más que entretener. Mientras nosotros preparábamos la leche, apagábamos las luces del living o discutíamos quién elegía la película, ustedes dejaban preguntas que muchos años después empezamos a responder.

Quizá por eso quería escribirles. Para decirles gracias. Porque acompañaron una infancia sin hacer ruido. Porque ocuparon un lugar que no figuraba en ningún contrato familiar. Porque ayudaron a construir recuerdos que todavía respiran. Y ahora quisiera pedirles un favor.

No hace falta crear un grupo de WhatsApp, no, no. Sería un caos. Imagino a Goofy mandando audios de ocho minutos, a Peabody corrigiendo la ortografía de todos y a Pinocho con la promesa de que esta vez sí va a responder los mensajes. 

Pero sí me gustaría que, de vez en cuando, encontráramos un día y una hora para volver a vernos. Cada dos o tres años alcanza. Nos sentamos un rato. Les cuento en qué anda Julián. Ustedes me cuentan cómo hacen para conservarse iguales mientras nosotros cambiamos.

Porque tienen una ventaja enorme sobre nosotros. Ustedes no envejecen. Somos nosotros quienes volvemos a mirarlos con otros ojos. Y quizá crecer consista en eso. En descubrir que sus películas nunca fueron solo para nuestros hijos.

También eran para nosotros.

Para recordar, cuando ellos ya sean hombres, que hubo un tiempo maravilloso en el que un muñeco de madera, un perro torpe (perdón, Goofy), un científico de cuatro patas, un monstruo azul o un vaquero de juguete nos ayudaban, sin saberlo, a aprender el oficio más difícil del mundo. El de ser padre.

Gracias por haber acompañado la infancia de Julián.

Y, de algún modo... también la mía.

VOLVER A MARAVILLARSE

 

El arte debe tomar a la realidad por sorpresa y mientras Argentina eliminaba a Inglaterra del Mundial 2026, los Rolling Stones acababan de lanzar «Foreign Tongues» (Lenguas foráneas), su mejor disco en cuarenta y cinco años. 

En algún punto, las dos cosas pertenecen a mundos muy distintos. Una ocurre en una cancha de fútbol. La otra, en un estudio de grabación. Una tiene noventa minutos, un resultado y una eliminación. La otra tiene canciones, guitarras, voces, silencios. Pero, para mí, de algún modo, se cruzan.

En el Mundial de Italia '90 tenía catorce años. Los chicos malos de Dartford habían editado unos meses antes «Steel Wheels» (1989) y algunos de los cortes—Rock and hard place, Mixed emotions— sonaban en las radios mientras Caniggia le hacía un golazo a Brasil y yo empezaba a entender que la música podía acompañar una vida entera. Pero no fue con éste disco que me hice fan de los Rolling Stones. Fueron «Still Life» (1982) y «Flashpoint» (1991), dos recorridos en vivo, las puertas de entrada a parte de su historia. Y desde entonces, los Stones se convirtieron en una de esas bandas que uno siente que ya forman parte de tu propia biografía.

Un lustro después llegó «Voodoo Lounge»(1994). Mi papá me regaló para mi cumpleaños un equipo de audio Aiwa NSX 990, casi un cero kilómetro, como se decía entonces. Y escuchaba en el minicomponente Love Is Strong y Out of Tears... Hice un esfuerzo enorme para que ese compact disc me gustara mientras a Diego le cortaban las piernas. Además, debo admitir que toda aquella fiebre rolinga me producía cierta irritación.

De pronto, parecía que la ciudad entera había descubierto a la lengua más famosa del rock. Las remeras aparecían por todas partes. Los fans se multiplicaban. El estado febril estaba en la calle. Y, en cierto modo, eso me molestaba. Porque habíamos estado ahí antes de la multitud. En 1991, cuando los Ratones Paranoicos hicieron un homenaje a los Stones en Obras Sanitarias, fuimos apenas tres mil, tres mil quinientas personas. Éramos un pequeño ghetto. Y quizá había algo de orgullo —o de egoísmo— en haber llegado antes, cuando todavía no había tantas remeras, ni tantos fanáticos, ni periodistas hablando de toppers, flequillos y jardineros.

Finalizando el milenio, los Glimmer Twins editaron «Bridges to Babylon» (1997). Casi una década después: «A Bigger Bang» (2005). Y, aunque fui a verlos en la gira de Voodoo y también en la de Bridges, no volvió a pasarme algo que ya había vivido antes con sus obras maestras de fines de los sesenta y principios de los setenta... Hasta ahora.

Mientras se disputa el Mundial este lanzamiento me voló la cabeza. Porque uno podría pensar que, después de tantos canciones, de haber disfrutado tantas veces de sus cassettes, ya no queda demasiado espacio para el asombro. Es como si hubieran redescubierto detrás de los achaques y las arrugas a los pendejos barderos que supieron ser.

Los catorce tracks de «Foreign Tongues» son una vuelta al amateurismo perdido. Son melodías que hasta hoy no formaban parte de mi vida: un riff que no escuché durante veinte, treinta años. Un estribillo que, apenas unos minutos antes, todavía no existía y que ahora está ahí, frente a mí, sonando por primera vez.

Esta vez no llegué tarde. No la encontré en una vieja grabación en el Parque Rivadavia ni la recuperé de algún rincón perdido de la Bond Street. La escuché mientras nace. En el mismo instante en que un single nuevo deja de ser una posibilidad y se convierte en canción.

Eso es lo que me impresiona del vigésimo quinto álbum de estudio de la banda porque no recupero un single de 1969 ni descubro un tema perdido de las sesiones de «Exile on Main St». No vuelvo a escuchar algo que ya existía antes de que yo naciera. Escucho un hitazo reciente de los Rolling Stones. Now!

Y eso, para alguien que ama a esta banda desde hace tantas décadas, es una experiencia casi inexplicable. 

LAS CANCIONES

Escuché Crossing You unas quince veces seguidas, la versión del tema Amy Winehouse, You Know I´m No Good, me parece descomunal. Ringing Hollow*... ¡Es una locura! El disco entero tiene algo que yo ya no esperaba volver a sentir: las ganas de quedarme a vivir adentro de un álbum. No quiero que se termine. ¡Y qué raro es decir eso! Porque los discos, durante mucho tiempo, fueron algo que uno esperaba. Llegaban y se oían. Se incorporaban a la vida pero también se terminaban.

Sus Majestades Satánicas me hicieron esperar tres décadas para volver a sentir que una lista de canciones podía maravillarme de esta manera y por eso lo valoro tanto. Y mientras escuchaba esta nueva criatura recién llegada al mundo, y veía a Jagger en la tribuna, con la camiseta invisible de su país, no podía dejar de pensar en la extraña paradoja. Ahí estaba él, alentando a su selección mientras Enzo Fernández la clavada en un ángulo del arco británico. El mismo hombre cuya voz forma parte de la banda de sonido de mi vida. Y yo, del otro lado, viendo a Argentina eliminar a Inglaterra. Las pasiones no siempre se llevan bien entre sí. A veces se cruzan y se contradicen.

Me siento orgulloso de ser fan de la mejor banda de Rock and Roll de todos los tiempos. Porque hay algo hermoso en haber esperado tanto para volver a sentir esto. Es como si, de pronto, estuviera en 1978 y apareciera «Some Girls» o en 1973 y se editara «Goats Head Soup». Pero no estamos en 1973 ni en 1978. Estamos en 2026. Y la vieja maquinaria que nació en el Marquee de Londres acaba de editar una joya. No sé cuánto tiempo va a durar esta sensación, ni cuántas veces voy a volver a aguzar el oído y si dentro de unos meses lo voy a sentir de la misma manera. Ahora estoy ahí; en el instante exacto en que un nuevo álbum de los Rolling Stones deja de ser un disco y se convierte en un acontecimiento de mi propia vida.

Quizá de eso se trate ser un stone puro y duro: esperar, atravesar las épocas y permanecer, incluso cuando uno sabe que ciertas cosas ya no volverán. Hasta que, contra todo pronóstico, vuelven a suceder. Y entonces uno entiende que la espera también tenía sentido.

*Los Stones le devolvieron al sueño americano su propia música, pero convertida en ironía. ¡Maravilloso!

QUIEN CORRIGE LA SOLEDAD

 

Con Norita tenemos desde hace años un diálogo permanente. Hablamos de libros, de política, de música, de amigos comunes y de esas pequeñas cosas de la vida cotidiana que terminan convirtiéndose en temas enormes. Además de amiga, Norita fue editora de algunos de los libros que publiqué. Conoce mis obsesiones, mis vicios literarios y hasta las palabras que repito sin darme cuenta.

Un día me preguntó en qué andaba.

—Terminando una novela —le dije.

—Está muy bien —contestó—, pero además de terminar novelas tendrías que ponerte de novio.

Le respondí que tenía razón. Nos reímos y cambiamos de tema. Sin embargo, aquella frase permaneció en algún rincón del coloquio.

Pasaron algunos meses hasta que volvió a llamarme.

—Escuchame —me dijo—. Te tengo que presentar a alguien.

—¿Y por qué pensás que podría ser para mí?

Entonces me contó la historia. Aquella mujer, medio en serio y medio en joda, le había dicho que estaba cansada de conocer tipos. Que ya no pedía demasiado. Si tenía trabajo, mejor, pero lo único indispensable era que se bañara todos los días y que fuera hincha de San Lorenzo.

—Y pensé en vos —me dijo Norita—. Sos prácticamente el único hincha de San Lorenzo que conozco. En otra época, cuando trabajaba con mi viejo, conocía muchos más. Ahora quedan pocos y vos te bañas, ¿o no? 

Acepté. Después de cierta edad uno aprende a desconfiar un poco de las presentaciones organizadas por amigos, pero también comprende que algunas casualidades merecen una oportunidad.

Norita viajó a Montevideo con su amiga y nos pasó los contactos. Hoy todo es más sencillo: un número de WhatsApp, un mensaje y un lugar de encuentro.

Ella me propuso ir al shopping de Punta Carretas que, según había leído, estaban por vender. Quería volver porque le traía recuerdos lindos. A mí me pareció un buen plan. Siempre me gustó ese lugar porque tiene el techo vidriado y uno puede seguir viendo cómo cambia la luz del día. Nunca da la sensación de estar encerrado.

Nos encontramos alrededor de las cuatro de la tarde. Pedimos un café y empezamos a hablar. Sin percibirlo, la tarde se convirtió en noche. A las diez me preguntó:

—Che, ¿no tenés hambre?

Recién ahí constatamos cuánto tiempo había pasado. Pedimos algo para comer y yo elegí un plato que no me dejara ningún perejil traicionero entre los dientes capaz de arruinar la cita.

El encuentro, sin embargo, ya era imposible de echar a perder.

Dialogamos sobre San Lorenzo. Como tenemos más o menos la misma edad, nos instalamos con total naturalidad en ese Ciclón de mediados de los ochenta. Recordamos la enorme decepción que nos produjo la venta de Perazzo y de Giunta a Boca, esa extraña obsesión que siempre pareció tener Boca por llevarse nuestros jugadores. Una obsesión que continúa hasta hoy.

Y entonces empezó algo todavía más extraño.

Comprobamos que ambos conservábamos en la memoria detalles mínimos. Resultados de liguillas, formaciones completas, publicidades en las camisetas. Zanella, Astori y Dream. Los dos recordamos el caso de Zacarías cuando sufrió un atentado en el vestuario visitante del estadio de Instituto de Córdoba. Datos que sólo alguien que hubiera vivido aquellos años con la misma intensidad podía conservar.

En un momento la miré y le dije:

—¿Te das cuenta de que no vamos a poder tener nunca más una conversación mejor que ésta, cuerva?

Ella se rió.

Pero los dos sabíamos que era verdad.

No importaba lo que pasara después. Si nos poníamos de novios, si no funcionaba, si la vida nos llevaba por otros caminos. Esa charla había sido altísima. Una de esas tertulias que justifican una cita.

Decidimos seguir viéndonos, una vez por mes. A veces en Buenos Aires, a veces en Montevideo. Sin grandes declaraciones, sin promesas excesivas. Solo con la alegría de saber que del otro lado había alguien con quien todavía era posible discurrir durante seis horas.

Después llamé a Norita.

—Escuchame —le dije—. Si esto me hubiera pasado a los treinta, te estaría agradeciendo por haberme presentado a la madre de mis hijos. ¡Me agarraste con cincuenta, Norch! 

Norita se rió.

Y yo también.

Porque a cierta edad uno deja de perseguir las grandes épicas y aprende a valorar los milagros modestos. Una conversa que se extiende sin mirar el reloj. Una complicidad inesperada. Alguien capaz de comprender por qué todavía puede doler una derrota de hace cuarenta años.

Y mientras cortaba la llamada pensé que hay personas que editan libros.

Y hay personas que, sin proponérselo, terminan corrigiéndole a uno la soledad.

EL DIOS DE LOS ROTOS

 

Archivo Perfil, Página/12, Infobae, La Capital

A principios de los noventa me había abrazado a los Ratones como bandera. Era mi tribu y mi manera de estar en el mundo. Hasta que conocí a una chica. La vi por primera vez en un recital de Memphis, en el Viejo Correo. Ella llevaba una remera de «Oktubre», se llamaba Selva, era una chica preciosa. Me enamoré antes de saberlo, después llegó la conversación que cambió todo.

—¿Loco, vos sabés que Juanse le escribió un tema al Indio? Corte bardeándolo. Está todo mal con los chabones.

Me hice el distraído, mientras ella recorría con los ojos mi remera de “Tómalo o Déjalo” ¡Claro! En esa estampa paranoica había una pista. Empecé a escuchar a Patricio Rey por ella, sin decirlo del todo, y aprendí un idioma para no perder una cita. Sabía que el viernes siguiente volvería a encontrarla, y en esa certeza se me ordenaba el deseo de mi calendario secreto.

Lejos de la escucha compulsiva de los discos, me fui acercando por la palabra, por el rumor impreso de una música que todavía no tenía nombre completo. Empecé a hurgar en la gráfica, en sus márgenes, y terminé con un ejemplar de “Cerdos & Peces”, esa revista donde escribía el Indio. La voz narrativa de Solari empezó antes que el sonido.

***

A fines de 1991 llegamos con Selva a un galpón debajo de la Autopista 25 de Mayo en la zona de Parque Avellaneda. Entramos y cuando sonó «Todo un palo» entendí. La vi abrir los brazos en cruz, cerrar los ojos y apuntar el rostro hacia el cielo de lata bajo el que guardábamos nuestros secretos. El lugar devolvía un sonido sucio y maltrecho, pero ella lo recibía al igual que a una orquesta celestial. No hizo falta ninguna explicación. La chica que hizo tambalear mis certezas había dejado una semilla.

Al año siguiente los Redondos ya estaban por todas partes. A «Mi perro dinamita» y «Un poco de amor francés» las junaba hasta mi vieja. Esos milagros de tres minutos escapaban de los parlantes y se metían en las conversaciones, en los patios de escuela, en los colectivos. Hoy puedo admitirlo, continué fiel a las canciones de Juanse, pero también terminé sentado alrededor del fogón nómade que encendía Solari en los shows marplatenses de mediados de los noventa, cuando ya vivía en la ciudad, y ahí terminé de empaparme de la cultura ricotera.

Los Redondos en MDQ: 1996-1997-1999

***

Entendí algo que no tenía relación con el rock. Comprendí el amor. Ese amor que consiste en aceptar al otro con sus diferencias, incluso cuando esas distas son absurdas y adolescentes. Selva escuchaba una banda que yo había aprendido a rechazar. Y gracias a ella descubrí al Dios de los rotos*, a una parte de mí que todavía no conocía. Años después me enteré de su muerte. Tenía muy pocos años. Sin embargo, alcanzó para dejarme un legado enorme.

Por eso, cuando supe de la muerte del Indio, lo primero que pensé fue en Selva. Pensé que ella se había ido demasiado joven pero también pensé que se había ahorrado este día. Porque para quienes crecieron al abrigo del Indio a través de su poesía, permanecer en este plano tendrá algo de intemperie, de casa vacía y de una extraña orfandad. Como si, de pronto, la inmensidad que los contiene siguiera igual, pero faltara un cauce de versos que durante décadas les enseñó a nombrar la noche. 

* El título que da nombre a este post surge del testimonio de Agustina, una joven de Paraná, Entre Ríos, que durante un móvil de América 24, mientras esperaba en la fila del velorio, definió al Indio Solari con una frase tan sencilla como poderosa: "el dios de los rotos". Una imagen que, más allá de las creencias, parece resumir el lugar que su música ocupa para tantos que encontraron en sus canciones refugio, compañía y una forma de nombrar las heridas.

REALISMO MÁGICO

 

La semana pasada escribí sobre el policial negro. De esa mirada donde el crimen muchas veces no importa tanto como la corrupción, la noche, la soledad humana. Y me quedé pensando en otro género —o mejor dicho, en otra forma de mirar el mundo— que siempre me fascinó y que muchas veces usamos sin darnos cuenta, el realismo mágico.

Y me interesa aclarar algo desde el principio. El realismo mágico no es solamente que aparezca un fantasma en una historia. No es poner una vaca que vuela o un hombre que vive doscientos años. Eso sería demasiado fácil.

El verdadero realismo mágico ocurre cuando lo extraordinario entra en la vida cotidiana sin pedir permiso. Y, sobre todo, cuando nadie se sorprende demasiado.

Ahí está la clave.

Porque en el realismo mágico lo imposible no rompe la realidad, es decir, convive con ella.

Un hombre desayuna mientras afuera llueven flores amarillas, una mujer sigue hablándole al marido muerto como si todavía estuviera sentado en la cocina, un pueblo entero puede dormir durante años bajo el calor y la malaria y aun así seguir funcionando. Y nadie dice —Qué raro— Porque para los personajes eso forma parte natural de la existencia. Y tal vez por eso el realismo mágico nació tan fuerte en Latinoamérica. Porque este continente siempre convivió con dos mundos al mismo tiempo, el racional y el mítico.

Acá muchos le hablamos a los muertos. Todavía creemos en señales, guardamos supersticiones familiares. Acá una abuela puede decirte que soñó con alguien y al día siguiente toda la familia queda sugestionada e inquieta.

En esta parte del planeta alguien prende una vela porque sí. Por las dudas. Porque algo en nosotros sigue creyendo que hay fuerzas invisibles alrededor de la mesa. Y eso no entra del todo en la lógica europea clásica.

Por eso cuando aparece el llamado “boom latinoamericano”, con escritores como Gabriel García Márquez, Alejo Carpentier o Juan Rulfo, el mundo queda fascinado. Porque ellos entendieron que América Latina ya era mágica antes de ser literatura. 

Pero ojo. El realismo mágico no es fantasía escapista. No se trata de huir de la realidad. Al contrario, muchas veces sirve para contarla mejor.

Porque hay dolores tan grandes, dictaduras tan absurdas, pobrezas tan antiguas y violencias tan repetidas, que la realidad latinoamericana a veces parece necesitar otra lógica para ser explicada.

¿Cómo se cuenta un continente donde las madres que perdieron a su hijo siguen poniendo un plato en la mesa durante años? ¿Cómo se explica eso? ¿Cómo se cuenta un pueblo donde la memoria de los muertos pesa más que la de los vivos?

Quizás el realismo mágico aparece ahí. Es una herramienta. Como una forma poética de decir: “La realidad ya es extraña”. Y además hay algo hermoso; el realismo mágico no vive solamente en los libros. Está lleno de escenas cotidianas.

El realismo mágico tiene mucho que ver con la memoria. Con esa sensación de que el tiempo nunca termina de irse del todo. 

A veces uno cree que vive una vida completamente racional hasta que aparece una canción y lo destruye una nostalgia que no sabía que seguía adentro. Y ahí, hay algo casi mágico también. Creo que por eso el género sigue funcionando.

Más allá de las bibliotecas y de las universidades, el realismo mágico habla de algo profundamente humano. Habla con una sospecha, ¿acaso la realidad visible no alcanza para explicar todo lo que sentimos?

No alcanza porque hay dolores que quedan flotando en las casas, hay ciudades con memoria, hay personas que siguen presentes incluso después de irse. Momentos donde la vida cotidiana, de golpe, así de sopetón se ilumina con algo extraño y poético.

Tal vez el realismo mágico sea eso. No una forma de escapar de la realidad, sino una forma más profunda de mirarla.